ごあいさつ

「日々を象（かたど）る」展を開催いたします。
「象」という漢字は、動物の「象」を表す象形文字です。古代中国の殷時代の甲骨文字のなかにその原型を見出せます。それは象が歩いているさまを横から象（かたど）り、それを90度回転させたものでした。また近年、研究の進展により4万年以上遡ると推定される洞窟壁画のなかにもまさに「象」を描いたイメージ群が発見されています。
「象」を「象る」。
それが人類にとっての表現行為の原点だったのです。でも、なぜ「かたどる」という意味を「象」という文字が帯びたのでしょうか。大きく力強い存在として遠い過去から人間を圧倒し、畏敬の対象であった象は、おのずと「すがた」を意味するようになったのかもしれません。児童画に好まれる動物園の人気者の象が洞窟壁画にも描かれていることは、両者が無縁でないことを暗示します。
芸術家は日々、比ゆ的に「象（ぞう）」を探している。それはまさにイメージとしての「象（ぞう）」でもある。世界を「形象」として表現することが美術にほかならないのです。
本展は、日々「象」を生み出してきた芸術家たちの創造活動を、当館のコレクションからご紹介しようとするものです。それらの作品は、困難な日常でこそ、わたしたちを励まし勇気づけてくれるはずです。
最後に貴重な作品をご寄贈・ご寄託いただいた方々、本展の開催にご協力をいただいた関係各位に御礼申し上げます。
 
2020年4月
神奈川県立近代美術館長　水沢勉

1. アトリエとその周辺

この世界で、だれもが一日ずつ体験している「日々」。
描き、作ることで日々をかさねる美術家たちが、日常の創作の場であるアトリエや、そこから足を延ばして見つけた風景を、本展のプロローグとしてご紹介します。
黒田清輝が半年ほど逗子に滞在して描いた田越川の河辺（1913年［大正13年］には鎌倉の材木座にアトリエを持ちました）や、1917（大正6）年から約7年を鵠沼で暮らし、多数の「麗子像」を描いた岸田劉生の風景画は、湘南の風と光を生き生きと感じさせます。
黒田のフランス留学（1884－1893年）から時代を下ること約30年、青山義雄や麻生三郎ら、1920年代から30年代に最初の渡欧を果たした画家たちにも、異国での創作は新鮮な日々であったことでしょう。同じく1920年代にパリに出たスイス出身の彫刻家・画家アルベルト・ジャコメッティは、1926年から終生を暮らしたイポリット・マンドロン街のアトリエで、モデルを使わないときにも室内や静物を繰り返し描きました。

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2. フランスの日々、日本の日々：佐野繁次郎の線描画とともに

10代で佐伯祐三と知り合って絵を志し、戦前のフランスでマティスに師事した佐野繁次郎。洒脱な絵画とともに今も人気の高い、エスプリに満ちた挿画の仕事を特集します。簡潔ながら味わい深い線が小さな紙上に描き出す都会の魅力に呼応して、フランスと日本の日常風景をとらえた絵画を選りすぐりました。
1950年代のパリは、佐野をはじめ藤田嗣治や佐藤敬らの再訪組と、田淵安一や金山康喜ら初めて渡航した青年たちが、制作を謳歌し、交流した場所でした。具象から抽象へと潮流の移る時代を感じながら、それぞれが独自の表現を追求しています。
いっぽう、明治の落語家・三遊亭円朝を題材とする小島政二郎の小説に寄せたカット下絵など、幕末から明治を思わせる日本をとらえた佐野の素描は、モダンさとノスタルジーを併せ持ち、佐野が挿画・装幀の仕事を始めた1930年代に描かれた松本竣介の無国籍風な都会風景とも、福王寺法林や木下翔逅が自宅の日常を描いた清新な日本画とも重なります。

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3. 日々をつつむ自然 — みえないものを描きだす力

私たちの生きる世界を満たす大気や水、あるいは湿度や温度といった、つねに時間の中で生まれ、変化し、消えていく自然のすがた。画材・素材の質感や色彩を組み合わせて、一枚／一体の形象（イメージ）に移し替える美術家の技術と感性が、「形にならないもの」を臨場感をもって体験させてくれます。
時間のなかで風化し、漂白した樹や石に厳粛さと神秘を見て取り、これを「肯定して行くよりほかない」(*1)という荘司福。「日常に緑の自然物があまりにも多く存在する」(*2)からこそ現代美術において緑は難しいと捉え、細心の色彩選択でこれに取り組んだ松本陽子。西村盛雄が蓮に象ったのは、その「葉」だけでなく、「器」のような実体の空隙に存在する虚の空間でもあります。「風とともに」を意味して題された李禹煥の画面もまた、反復的に重なり合う色彩が揺らぎを表すと同時に、余白を主題化した作品です。小西真奈が描く空間では、点景の人物を通して、視線の彼方にどんな気配を感じられるでしょうか。
 
*1:『生誕100年　荘司福展』（神奈川県立近代美術館 葉山）図録、2009年
*2:『今日の作家X:西村盛雄・松本陽子』展（神奈川県立近代美術館 鎌倉）図録、2005年

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4. 歩く日々、佇む日々

ダンスや映画と異なり、静止した作品をつくり出す絵画や彫刻は、「立像」や「座像」という言葉にみられるように、しばしば不動のポーズを取った像（イメージ）として人体を再現してきました。では、日常の基本的な動きといえる「歩く」姿、それが一時停止した状態としての「佇（たたず）む」姿には、何が現れるでしょうか。
片岡球子が初代歌川広重（安藤は本姓）の肖像と並べ画中画として描いた《大はしあたけの夕立》は、ゴッホの模写でも知られる広重『名所江戸百景』の傑作。広重や片岡と同様に、写実をずらし、独自のデフォルメされた群像で現代の往来を描く相笠昌義は、日常に生じる静と動を絶妙にとらえています。
小林清親の錦絵に描かれた中国・山東半島の軍港地は、日清戦争を美的に伝える想像の報道画でした。いっぽう、東京美術学校卒業の年に入隊し、中国・山西省ほかで終戦まで従軍した浜田知明が1950年代前半に手がけた「初年兵哀歌」は戦争諷刺で高く評価されたシリーズですが、その半世紀後にようやく描きえた、日本兵に蹂躙される現地民の恐怖を伝える1枚と並べるとき、ふたつの行進は加害者と被害者の両義性をもって立ち現れます。
瞬間と永遠のあいだで宙吊りにされたイメージは、静けさとリズム感、写実性と非現実感を併せもつ不思議な魅力を放ちます。その秘密は、相笠や阿部合成が行う背景の省略や、瓜南（かなん）直子やシルヴィア・ミニオ＝パルウエルロ・保田の作品にみられる部分の抽出にあるのではないでしょうか。捨象（しゃしょう）＝かたち（象）を捨てることも、大事な表現なのです。

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5. 虚（きょ）を型取る：岡崎和郎のオブジェ

日用品や青果など、日々の生活に存在する「物」の外形、あるいはその「内部」を石膏で型抜きし、反転した「虚」の空間を眼の前に塊として差し出してみせる岡崎和郎（かずお）のオブジェ。
豪徳寺（東京都世田谷区）の授与品である素焼きの「招福猫児（まねぎねこ）」の内側に石膏を流し込み、乾燥後に焼き物を破砕して取り出された「かたち」は、いわばゼリー型とゼリーの関係。《静物》の台座に乗った瓶（の内側）や卵（の内側）は、台座に反レリーフ状に彫られたアスパラガス（の内側）と同じくらい、「存在しないもの」としてそこにあります。では、《BELT》や《りんご》としてそこにあるのは、革製品や果物の実物でしょうか、それとも「胴体」や「果肉」の虚物でしょうか？
作家が「補遺」（サプリメント）と呼ぶ作品たちは、ビタミン剤などのサプリメントのように、私たちに不足しがちな「世界を違う見方でとらえる」能力を補ってくれます。

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6. 制作する日々：新収蔵の渡辺豊重作品・資料を機に

2019年、鎌倉別館では改修に際して庭園を再整備し、野外彫刻の一部を移設しました。このときご協力いただいた美術作家の渡辺豊重氏より、別館の野外彫刻《SWING 86-01》制作当時のマケット（maquette: フランス語で模型、試作の意味）とスケッチ、図面等の寄贈を受けたことから、その一部を紹介し、あわせて鎌倉別館の野外彫刻に関連する三人の作家の小品を展示します。
《SWING 86-01》は1986年に日本丸メモリアルパーク（横浜市）で開催された「みなとみらい21彫刻展　ヨコハマビエンナーレ’86」に《スウィング 861》として発表されました。1960年代から絵画を中心に活動してきた渡辺は、人間本来の姿を抽象的なフォルムから引き出すことが本作の主題と語っています。「デッサンを通してずい分考えてきたんだけど、結局線というものを使うと、うまくいくなというのが分かってきて」「フォルムがはっきりすれば、キャンバスから切り抜くと、立体になる」「白く塗ってしまうと、物質感が消えて人間が生きてるような感じになる」(*1)という作家の、手を動かし探求をかさねる日常がうかがえる貴重な作品資料です。
彫刻のマケットは、それ自体が小品としての魅力をもち、実作との対比も楽しめる作品です。展示室と行き来して、ぜひ庭園の作品を風と光のなかで体感してください。
 
*1 『みなとみらい21彫刻展』（1986年）図録の作家インタビューより

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